Este mes, artistas emergentes del flamenco.

Centro de las Artes de Sevilla caS
Teatro Gestual
El Alemán
Durante los 50 minutos que dura de la pieza nos sumergimos en la rutina angosta de un personaje a partir de un lenguaje que se nutre del teatro gestual, el butho y el clown.
En El Alemán Anido parte de la fecha de caducidad de un Yogurt para mostrarnos una realidad deformada donde este dato aparentemente intrascendente se convierte en el escollo desencadenante de la acción.
Diego Anido es artista residente de la plataforma de creación barcelonesa AREAtangent donde gestó El Alemán y ha preparando su última pieza Cucaracha. Junto con su anterior montaje, Paperboy , Diego completa así un trabajo de creación de personajes basados en la difusa frontera de la cordura.

Guión: Diego Anido
Dirección: Diego Anido
Interpretación: Diego Anido
Diseño de Luz: Alex Aviñoa y Diego Anido
Colaboraciones en Dirección: Raque Regueira, Dolores Barbazán y Julia Skorupska, Alex Serrano y Víctor Molina
Coproducción: Areatangent

Danza contemporánea
Curso orientado a todo aquel que quiera  sin distinción de estilos estéticos  acercarse a un estilo personal de ver la danza. La respiración, relajación a la hora de enfrentarse a una partitura de movimientos. Mirar alrededor y encontrar objetos para contar historias integrándolo  en las partituras coreográficas.  La importancia de la selección sonora como apoyo dramatúrgico.
Perros en danza,  la compañía de Manuel Cañadas, fundada por él mismo en 1997, ha recorrido en los últimos años un largo camino en busca de la estabilidad profesional. Tras una serie de piezas cortas, en 2000 estrenó el montaje Vida perra… con compás, que fue premiada a la mejor Compañía Revelación en el Festival de Teatro en el Sur de Palma del Río. Ocho años después de aquel triunfo, Cañadas siente la necesidad de repasar cuestiones como la felicidad, los encuentros y los desencuentros. A sus 41 años, más de la mitad de ellos sobre un escenario, Cañadas se ha ido empleando a fondo en la elaboración de una propuesta que responde a un texto concebido a partir de las voces de su propia conciencia.

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Improvisaciones con electrónica y voces.
En || ||| || |||  Danza aleatoria Ernesto Ojeda reflexiona y hace reflexionar sobre la des-estructuración del espacio, sobre lo que comienza a desvanecerse y lo que sobrevive a lo oscuro, sobre el espacio abierto que se ubica en el territorio de lo onírico e inestable, y que alude a territorios interiores en continuo movimiento, sobre el lugar interior que aniquila a lo externo, sobre las arquitecturas que se desvanecen, sobre el instante anterior / posterior… Este es el punto de partida para la propuesta de este artista que, a partir del concepto de estructuras físicas relacionadas, la luz y el brillo, la  oscuridad y el vacío, construye imágenes que evolucionan a espacios mentales en los que se asocia el sonido a un entorno psíquico.
Mediante el trabajo con sintetizadores, Ojeda busca la creación de sonidos electrónicos que no partan de la naturaleza, consiguiendo, a través de la música electrónica, eliminar al intérprete, romper con el concepto de concierto. La música viene acompañándola de danza, montajes de luces, gestos y teatro haciendo que converjan los lenguajes de la danza, la música, la escenografía y las artes visuales de manera aleatoria en un escenario, donde  cada uno tiene autonomía y especificidad propia. Se trata de construir una danza que no pretende ser narrativa, que se nutre de lo inmediato, se compone y recompone en el tiempo y el espacio sin apoyarse en virtuosismos personalizados, una danza capaz de transmitir y despertar sensaciones con el fin de demostrar no su verdadero potencial y el de los participantes y espectadores también.
Para Ernesto Ojeda la mayor parte de las conclusiones válidas para la improvisación en música son transferibles a otras artes, como por ejemplo la danza, la expresión corporal y las técnicas de movimiento. Con el aumento del vocabulario corporal, la música, la percusión o el canto se personifican, el cuerpo se convierte en un gran oído, descubriendo sus posibilidades expresivas. Con este proyecto busca adecuar las experiencias a cada persona de tal manera que cada uno tenga la oportunidad de encontrar y desarrollar su espíritu creativo sin prestar atención al grado de creatividad alcanzado. Da a los participantes la oportunidad de gozar y demostrar sus capacidades.

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Danza Contemporánea.

La bailarina y coreógrafa Anna Paris parte en esta pieza siguiente razonamiento: Si la realidad tiene una estructura matemática que es lo que la hace comprensible y racional, si eso es lo que permite su descripción precisa, entonces cualquier juego que pueda imaginarse matemáticamente con precisión es tan importante metodológicamente, y en cierto sentido tan ‘real’, como una situación real.
Miembro del colectivo catalán Areatangent, Anna Paris, reside actualmente en Sevilla dándole continuidad al proyecto en esta ciudad y participando en los principales eventos de artes escénicas de la misma como el Mes de Danza o feSt (Festival Internacional de Teatro y Artes Escénicas de Sevilla). La colaboración entre Areatangent y Endanza comienza en el año 2007 con la programación estable de “Cápsulas” en el Centro de las Artes de Sevilla. La colaboración entre ambas entidades da un paso más con la coproducción de esta obra.

Idea: Anna París
Creación e interpretación: Anna París e Itxaso Etxepeteleku
Coproducción: Endanza y Areatangent.
Artistas en residencia: Anna Paris.

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Danza Contemporánea. Performance. Work in progress.

Condicionados por la necesidad de obtener respuestas inmediatas, insertados en el engranaje de la tecnología del aquí y el ahora, nuestro presente carece de dimensión temporal: avanzamos a toda velocidad hacia ningún sitio y consumimos a toda prisa acontecimientos que no modifican nada. El bailarín y coreógrafo Guillermo Weickert parte de esta realidad para plantearse el sentido de  aquellos procesos que implican grandes porciones de tiempo, de esfuerzo, de compromiso… pero también para reflexionar sobre esas cosas inesperadas, que no somos capaces de prever, que ocurren un día cualquiera y que cambian para siempre nuestra esencia. ¿Por qué ese momento sentimos como si la realidad golpeara nuestra cara? ¿Es que vivimos en una vida ficticia? ¿Puede un cuerpo físico proyectarse hacia delante en su tiempo? ¿Es posible trascender al presente a través de acciones? Días pasan cosas es una primera investigación de Guillermo Weickert sobre los límites de la representación, sobre la posibilidad de invocar desde la acción física y el tiempo presente un futuro que no existe aún. Se trata de un trabajo en proceso en el que el bailarín se enfrenta al público a partir del estudio de las posibilidades del cuerpo para contar historias que sólo se terminan de entender con la perspectiva que da el paso del tiempo.

Dirección: Guillermo Weickert
Coreografía e interpretación: Guillermo Weickert,  María Cabeza de Vaca,  Marc Rees
Dirección Técnica: Paloma Parra
Producción: El Mandaito Producciones
Espacio Escénico: Jose María Sánchez Rey
Vídeo: Octavio Iturbe

Artistas en residencia: Guillermo Weickert.

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Teatro. Performance

Joserra Leza  re-elabora sus otros “selfs” que quedaron tras el telón. Bajo el título de Reflectáforas unos aparecen con sutileza, otros como eructos iconoclastas, para confundir, extrañar o ironizar en presencia del respetable. Suponen pues una transición de lo amable a lo vergonzoso u obsceno, mostrando en ocasiones lo que el público no querría ver nunca en un escenario. Sus caldos de cultivo han sido el teatro coreográfico de Enrique Pardo.

Ficha artística:
Dirección e interpretación: Joserra Leza
Música en directo: Brenda Armendia